martes, 31 de agosto de 2010

When Youre Strange

Titulo original: When You´re Strange
Dirección: Tom DiCillo
Guión: Tom DiCillo
Narrador (voz en off): Johnny Depp
Fotografía: Paul Ferrara
F/X: Gus Comegys
Montaje: Micky Blythe, Kevin Krasny
Intervienen: John Densmore, Robby Krieger, Ray Manzarek, Jim Morrison
Idioma: Inglés con subtítulos en castellano.
País de producción: E.E.U.U.
Año: 2009
Duración:
Web Oficial: Wen You´re Strange







El director Tom DiCillo confecciona este documental sobre la mítica banda The Doors a base de gran cantidad de metraje en donde aparece el grupo y una átona narración de Johnny Depp, prescindiendo de cualquier otro recurso. La película muestra y no aporta nada nuevo más que la posibilidad de ver a Jim Morrison y los otros miembros en imágenes, algunas de ellas prácticamente desconocidas.

El documental sigue el nacimiento del grupo The Doors en la década de los Ángeles, formado por Jim Morrison, Ray Manzarek, Robby Kriger y John Densmore. Empieza con sus inicios, continua con su progresión y ascensión hasta llegar a ser uno de los grupos más importantes de su época y concluye con el final del grupo marcado por la muerte de Jim Morrison.

Si la función del documental es introducir el grupo y su corta vida a un espectador que desconoce completamente a The Doors, Tom DiCillo realiza una más que correcta introducción completamente superficial. Pero este documental va a ser visto por muchos seguidores de la mítica banda sin que les aporte ninguna información nueva, mucha de ella superflua. El gran valor del documental es aunar una serie de grabaciones de gran rareza, incluidas una rodada por el propio Jim Morrison y sesiones en el estudio con todo el grupo. Y en eso consiste todo el filme. No hay testimonios, entrevistas ni otro elemento que de cierta veracidad ni trasfondo a lo que se escucha en la narración. Es como mínimo extraño realizar un documental sobre un grupo de música de los cuales, a excepción de Morrison, todos ellos siguen vivos y activos, sin que éstos aporten algo de visión interna. La continua voz en off de Johnny Depp, que sustituye a una primera versión de la película en la que el propio director era el narrador, es la única fuente de información y tampoco ayuda a darle algo de vida al documental. Es completamente plana y monótona. Sólo la curiosidad por ver metraje difícil de conseguir se satisface con el visionado de “When you’re strange”, ya que cualquier persona que conozca algo sobre The Doors, por mínimo que sea, no verán ni una biografía en profundidad ni un nuevo ángulo sobre la corta vida de este grupo de rock.*1

Tom DiCillo no se lo pensó dos veces cuando le ofrecieron dirigir un documental sobre el mítico grupo liderado por Jim Morrison, The Doors. El resultado es este imprescindible documental (para fans y no fans) titulado When you’re strange, que se exhibe a partir de hoy en los EEUU, pero en un reducido circuito de 50 salas.

Su llegada a España parece más que improbable, tras su escasa distribución en los los EEUU. Lo único que queda es aferrarse al buen sentido de los organizadores del InEdit, festival de documentales musicales.*2




Fuentes de información:
*1 Critics Cinema, IMDB, Wikipedia, *2 El Destilador Cultural, Blog de Tom Dicillo.

jueves, 3 de junio de 2010

The Song Remains the Same


Título original: The Song Remains the Same
Año: 1976
País: Reino Unido / Estados Unidos
Género: Documental / Musical
Dirección: Peter Clifton, Joe Massot
Duración: 132 min
Reparto: John Bonham, John Paul Jones, Jimmy Page, Robert Plant, Peter Grant


Las presentaciones en vivo que se ven en la película están compuestas de tomas de los tres conciertos en el Madison Square Garden (27 al 29 de julio de 1973), a fin de lograr mediante el arte de la edición la mejor versión posible de cada canción en base al material disponible. Ello a su vez generó algunos problemas de continuidad entre algunas tomas. Un análisis detallado de todas las ediciones hechas en la película se puede ver en The Garden Tapes. Asimismo, la película incluye cinco secuencias de fantasía, protagonizadas por cada uno de los cuatro miembros del grupo y por el manager del conjunto.

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Hubo un tiempo en el que Led Zeppelin reinó sobre la faz del rock del planeta entero como la banda que llevó ese género a su cumbre máxima. Una época en la que la banda de Londres no tuvo parangón; no fue superada ni eclipsada por movimiento musical alguno. Un tiempo en el que el resto de propuestas musicales, por penetrantes, interesantes, vanguardistas y prometedoras que fueran, no tuvieron la capacidad de llegar a los altos vuelos del cuarteto inglés. Esa época sigue vigente. Led Zeppelin es insuperable.

La razón de ello se encuentra en que el grupo llevó el rock a su culminación dialéctica: superó todos los avatares de este tipo de música de masas, fundiéndolos en una propuesta abigarrada, ensimismada y dinámica que generó un poliedro sonoro cuyas ramificaciones han hecho saltar las aceras de la ciudad entera del rock durante las cuatro décadas que median entre el inicio formal de la actividad de la banda y el tiempo actual. [...]

En el tiempo en que eran jóvenes, borrachos, heroinómanos, salvajes y absolutamente geniales, integrantes de una sinergia artística que incluso ellos mismos no alcanzaron a dimensionar del todo en su momento, vio la luz el video (promocionado como película) The Song Remains the Same. Eran principios de los imposibles setenta. Época del cenit del capitalismo. Momento en que después del mediodía sólo comienza la tarde con la inminencia del ocaso. Esto fue válido para el sistema y para el grupo. En tanto, los esplendores de una época ya ida produjeron momentos culminantes que han quedado plasmados en la memoria real y psicológica de las colectividades posteriores. Uno de ellos es la banda sonora del video, grabada en vivo durante una serie de tres presentaciones en el Madison Square Garden de Nueva York (el 27, 28 y 29 de julio de 1973), núcleo radioactivo de la forma de vida del capitalismo tardío en su pico setentero más alto. Cuando Estados Unidos y Led Zeppelin reinaban en la Tierra. Cada uno ha sufrido sus propias mutaciones y polimorfías, pero una cosa es cierta: ambos han prevalecido y prevalecerán durante mucho tiempo más como vectores de sentido, guía y empuje de sus respectivos sistemas funcionales: el sistema-mundo y el de la música masiva.

No intentaré aquí forzar una analogía o una implicación que considero a todas luces falsa entre la música de la banda y el sistema económico global capitalista. Mi convicción teórica (a diferencia de Fredric Jameson y a consecuencia de Niklas Luhmann) es que las manifestaciones estéticas poseen el suficiente grado de independencia vital para liberarse del sistema-mundo que las vio nacer o incluso las propició (propiciar no es determinar). Éste sirve sólo de referencia temporal, de encuadre epocal, y nada más.

Una pregunta que viene a la mente al ver una audiencia de hace más de tres décadas frente a Led Zeppelin en un atestado Madison Square Garden es: ¿sabía esa multitud ante lo que estaba? ¿Tenían los asistentes plena conciencia de la magnitud del grupo, de la música y de la relevancia de lo que presenciaban? Es posible que sólo un pequeño porcentaje de los asistentes lo tuviera más o menos claro. No sólo porque como bien sabemos los asiduos a los conciertos, la mayoría de las personas sólo va a éstos para echar desmadre, emborracharse, drogarse y buscar sexo fácil, sino por una razón mucho más fundamental: no poseían la distancia epocal que produce la resonancia estética de una propuesta como la de la banda.

Si partimos de la premisa de que en medio de los excesos propios del entorno del sistema del rock, en el que en este caso se incluye primordialmente a los excesos de la década de los setenta, los integrantes mismos de Led Zeppelin no pudieron tener la suficiente distancia crítica para comprender la magnitud de su propia obra, cuantimenos las masas que los siguieron a lo largo y ancho del mundo. Integrantes y fanáticos de la banda sencillamente no poseían lo que desde Hegel sabemos que da pleno sentido a los acontecimientos históricos: la distancia del horizonte hermenéutico. [...]

Es imposible no percibir la retoma de todo el rock en un concierto tocado a toda máquina y en plenitud de facultades. Del inicio de la fusión entre artista-mercado-industria en los tiempos de Elvis Presley al exabrupto pretendidamente contestatario de la movida peace and love contemporánea al inicio de Led Zeppelin. Pero, sobre todo, está ese irredento, pertinaz, irrefrenable, sentido de la fuerza y la dinámica que permea la música del grupo y que sin lugar a dudas los atrae sin muchos rodeos a la esfera de lo que hoy conocemos como metal pesado. Aunque, claro está, la banda es eso y mucho más, como ya he afirmado. Todo ello ejecutado en vivo bajo una estructura de improvisación progresiva que sustentó al estilo de la banda durante toda su existencia con base en el bucle: orden - desorden - desorden ordenado - orden, marcando así su sello y su destino como el grupo de rock con las más geniales adendas en directo que se hayan escuchado jamás. [...]

Led Zeppelin consumó el rock. Con ellos, llegó a su último desenvolvimiento dialéctico. Estéticamente improbables, con todo materializaron todo cuanto era dable materializar en ese género musical. Después de ellos, ha habido bifurcaciones, matices, jaloneos y exasperaciones de diversa importancia y valía; algunas de ellas han sido verdaderas vetas preciosas e insospechadas. Pero ninguna ha superado lo que, por definición, es insuperable: la culminación del sistema del rock sella también los límites de sus posibilidades de ser. Fuera de estos, o bien se deshace o bien se transforma. Para rebasar a Led Zeppelin, entonces, habría que rebasar al rock mismo. (Manuel Guillén: Replicante)


Esta en 5 Partes, puedes ver todas en nuestro canal de VodPod.

Para descargarla en descarga directa recomendamos el Foro Patio de Butacas.

lunes, 21 de mayo de 2007

MTV 1983

Viejo VHS recordando la MTV de 1983. Mark Goodman como presentador, se incluyen los anuncios comerciales.

MTV 1983 (Part 1 of 1)
Night Ranger - Don't Tell Me You Love Me Huey Lewis & The News - Heart & Soul The Tubes - Monkey Time Price - Little Red Corvette George Thorogood & The Destroyers - Bad To The Bone The Police - Synchronicity II Sammy Hagar - Your Love Is Driving Me Crazy Steve Miller Band - Jet Airliner Kansas - Fight Fire With Fire Michael Bolton - Fool's Game Quiet Riot - Cum On Feel The Noize Bow Wow Wow - Do You Wanna Hold Me? The Who - You Better You Bet The Motels - Suddenly Last Summer Madness - Our House Nick Heyward - Whistle Down The Wind




MTV 1983 (Part 2 of 2)
ZZ Top - Sharp Dressed Man Garland Jeffreys - 96 Tears Stevie Nicks - If Anyone Falls Elton John - I'm Still Standing The Thompson Twins - Lies Billy Idol - Dancing With Myself Men At Work - It's A Mistake Paul McCartney & Michael Jackson - Say, Say, Say Quarterflash - Take Another Picture David Bowie - Modern Love Billy Squier - Lonely is the Night INXS - The One Thing The Romantics - Talking In Your Sleep Jefferson Starship - Be My Lady Robert Plant - Burning Down One Side Talking Heads - Burning Down The House Split Enz - One Step Ahead The Fixx - Red Skies The Pretenders - Back On The Chain Gang Joe Walsh - I Can Play That Rock N' Roll

Jesus Christ, Superstar


AÑO : 1973
DURACIÓN : 103 min.
PAÍS: Estados Unidos
DIRECTOR: Norman Jewison
GUIÓN: Melvyn Bragg & Norman Jewison (Musical: Tim Rice & Andrew Lloyd Webber)
MÚSICA: Tim Rice & Andrew Lloyd Weber
FOTOGRAFÍA: Douglas Slocombe
REPARTO: Ted Neely, Carl Anderson, Yvonne Elliman, Barry Dennen, Bob Bingham, Larry T. Marshall, Joshua Mostel
PRODUCTORA: Universal Pictures



En V.O. con subtitulos en castellano:

domingo, 29 de abril de 2007

Patti Smith Group - Radio Ethiopia (Emi 1976 Vinyl)


Radio Ethiopia is a 1976 album by The Patti Smith Group.

Radio Ethiopia was the followup record to Smith's widely acclaimed debut Horses. In interviews surrounding the album's release, Smith often said that she wanted "Radio Ethiopia" to be a hit and chose Jack Douglas as a producer accordingly. The music was noticably different from Horses in that songs such as "Ask The Angels" and "Pumping (My Heart)" sounded and were structured like mainstream rock music at the time (both songs have been likened to The Rolling Stones, one of Smith's favorite bands. However, while various songs such as the aforementioned two seemed accessible, songs such as "Ain't It Strange" and "Poppies" were less conventional, with Smith declaring the latter as the predecessor to "Land".

The title track on "Radio Ethiopia" is one of Smith's most notorious songs, almost legendary for appearing to be "10 minutes of noise". Critics often described live renditions of the song as very negative moments of Smith's concerts. Smith herself spoke highly of the track, speaking of how the lyrics refer to Rimbaud's dying wishes. Arguments both for and against the song have been developed by critics, fans and music listeners over whether the song truly is an extension of the Patti Smith Group's boundary-pushing or merely self-indulgence; similar arguments have always surrounded Yoko Ono's early work, which the song and Smith herself have been said to resemble at times.

"Pissing in a River" was released as a single with "Ask The Angels" as a b-side. It was also featured in the movie Times Square (1980) along with other late 1970s mosly punk and new wave songs.

The album was universally panned by music critics, who claimed that the band (who were criticized as being uninspired) overrode Smith herself and that the music lacked structure. In the greater scheme of things, it was a failure both commercially and critically, though The Distillers covered "Ask The Angels" for their 2000 album. Interestingly enough though, in articles about Smith in more recent times, the album has been called one of her "classic 70's albums".

Radio Ethiopia seems to have been forgotten in favor of its predecessor and the followup Easter, though some fans regard it as a truly inspiring, experimental and ambitious piece of work.

Cover photograph by Lynn Goldsmith. Dedicated to Arthur Rimbaud and Constantin Brancusi.

All songs written by Patti Smith and Ivan Kral unless otherwise indicated.

  1. "Ask the Angels" – 3:05
  2. "Ain't It Strange" – 6:33
  3. "Poppies" (Smith, Richard Sohl) – 7:03
  4. "Pissing in a River" – 4:39
  5. "Pumping (My Heart)" (Smith, Kral, Jay Dee Daugherty) – 3:20
  6. "Distant Fingers" – 4:17
  7. "Radio Ethiopia" (Smith, Lenny Kaye) – 9:58
  8. "Abyssinia" (Smith, Kaye, Sohl) – 2:10
Patti Smith Group - Radio Ethiopia (Emi 1976 Vinyl)

Dennis Brown - Joseph's Coat Of Many Colours (1979)


Dennis Brown
Cuando Dennis Brown falleció en 1.999, Jamaica perdió una de sus grandes estrellas, quizás el artista más querido y popular de su historia. Incluso en vida de Bob Marley, la música de Dennis Brown era más popular y apreciada en Jamaica mientras que Bob pasaba largos periodos fuera de la isla, expandiendo el Reggae por todo el mundo. El propio Bob Marley le mencionaba en entrevistas como su artista favorito.
Considerado por muchos como su sucesor, y conocido ( desde la muerte de Bob Marley ) por sus seguidores como The Crown Prince of Reggae (el Príncipe Heredero del Reggae), su contribución al desarrollo de la música popular jamaicana se expande en tres décadas gloriosas en las que grabó cientos de canciones de varios estilos, siendo primero un niño prodigio que maduraría y se convertiría en uno de los cantantes más influyentes de la historia del Reggae.
Aún hoy Luciano, Bushman, George Nooks, Frankie Paul y montones más, copian su estilo con gran éxito.

Dennis Emmanuel Brown nació en Kingston (Jamaica) el 1 de Febrero de 1957. De familia de artistas, obtuvo la inspiración de su padre, el veterano actor Arthur Brown, y de su hermano Basil, quien interpretaba el papel de Man Man en una comedia radiofónica de finales de los 50. Su don para la música debió jugar un papel significativo ante el desalentador reto de superar la temprana muerte de su madre.
Dennis nació con un solo pulmón, una desventaja que le hizo ser siempre un niño enfermizo. Era pequeño de estatura y se cansaba con facilidad por culpa de esta deficiencia respiratoria.
Comenzó su andadura musical cuando tan solo contaba 9 años y no fue algo sorprendente, puesto que nació y vivió en Orange Street, más conocida como Beat Street, centro de la actividad en la escena musical de Kingston.

A escasos pasos del que fuera su hogar, el ska emergente se gestaba en el interior de los estudios de grabación a los que acudían numerosos músicos y artistas hoy convertidos en leyendas. Como si su futuro hubiera estado escrito y vivir tan cerca de él no fuese una mera casualidad, Dennis poseía una voz que los productores no tardaron en descubrir.
Era la época en que solía actuar sobre cajas de cervezas ( para llegar al micro) junto a Byron Lee y The Dragonaires, y en los bailes para la Iglesia local. Con ese escaso bagage se presentó en el Tif-For-Taf Club, donde actuó una noche como invitado junto a The Falcons Band, intentando ser como Delroy wilson y Ken Boothe, uno de esos niños prodigio que proliferaban .

Junto con Marcia Griffiths, Stranger Cole, Ken Boothe, Tommy Cowan y Byron Lee, Dennis Brown participó del crecimiento cultural y artístico de la isla, auspiciado por el entonces promotor musical Edward Seaga (más tarde Primer Ministro).
El manager de la banda quedó impresionado y enseguida le hicieron vocalista. No tardó en presentárselo a Clement “Coxsone” Dodd, patriarca del famoso Studio One.

Con 11 años y aún sin haber madurado su voz, pero con una entonación similar a la que mantendría durante toda su carrera, vio la luz el primer éxito bajo su nombre No Man is An Island (1969), (una versión en Reggae de una canción del grupo de Soul, Van Dykes), que marcó el inicio de una fructífera colaboración de Brown y Coxsone Dodd, responsable del álbum debut del artista bajo el mismo título en 1970, seguido al año siguiente por If I Follow my Heart. Coxsone vio en él un enorme talento y la imagen de una futura estrella.

Ahí dejamos la historia, el siguiente disco no mío, pero lo tengo hace casi dos años, tengo darle las gracias a Giggio y Maxi.

Dennis Brown - Joseph's Coat Of Many Colours (1979)(Pinchando Vinilos Al Reves 256 Kps Vinyl Rip)

Texto completo en: Reggae News

viernes, 6 de abril de 2007

Pata Negra - El Blues de la Frontera - 1987


"Blues de la Frontera" está considerado como uno de los mejores discos editados en España en los años 80, no sólo de flamenco. Es el inicio de un sonido que los hermanos Amador bautizaron como “blueslería”. Es además el cuarto y último disco que los hermanos Amador grabaron juntos. Tras " Blues de la Frontera", Raimundo abandonó la formación y Rafael continuó en solitario. Como el propio título indica, es precisamente blues lo que puede escucharse en este disco, además de flamenco.
esflamenco

1 - Bodas de sangre
2 - Blues de la frontera
3 - Pasa la vida
4 - Yo me quedo en Sevilla
5 - How high the moon
6 - Camarón
7 - Calle Betis
8 - Lindo gatito
9 - Lunático


Podría añadir mil cosas más sobre este disco, es tanto el cariño que le tengo, son tantas y tantas veces que lo he escuchado y sigo haciéndolo. Redondo. Perfecto de principio a fin, pura energía, puro sentimiento.









Si te gusta, te recomiendo ver el documental sobre la familia Amador y Pata Negra: Pata Negra - El Rock de los Gitanos, disponible para ver online gracias a Naranjas de Hiroshima.